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Peigne en or et bijoux, Valence

Peigne en or et bijoux, Valence



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Vintage Culver verrerie Mardi Gras motif bouffon en or 22K orné de bijoux verres Vintage Culver Barware Mid Century Bar

Verrerie Culver Vintage. Modèle de Mardi Gras. Y compris l'historique Culver Glassware et les informations de reconnaissance des formes.

Verrerie Culver motif Mardi Gras : verres à boire 22k sur le thème de la Nouvelle-Orléans. Ces magnifiques et rares lunettes à bijoux en strass bouffon d'or des années 1960 sont du motif plat en or, avec de vrais strass, qui est considéré comme le plus rare de ce motif.

Historique du motif de Mardi Gras : La première série de verrerie à motif de Mardi Gras de la Culver Glass Company date de 1959 à 1962. La conception consistait en des bijoux en verre plat en feuille d'or et en amp. Il semble qu'il y en ait eu très peu, mais ils étaient vendus dans d'énormes services de 24 à 48 verres. Les variations de ce modèle incluent les chiffres soutenus en bleu, or ou noir.

1962 - ? Vu la deuxième édition, faite de bijoux en or 22 carats et en verre épais, texturés / surélevés. (ce sont mes préférés)

1969 - 1983 ? : Cette dernière édition était la plus ornée, réalisée avec des boules colorées en émail à la place des bijoux en verre. Il semble que les dates de production de ces différentes versions ou du motif Mardi Gras, se chevauchent, pourtant la dernière version est restée en production, jusqu'au début des années 80 en petits ensembles de 4 productions.

Il existe quelques variations dans ce motif où vous pouvez voir un support bleu, or, noir ou même vert sur les chiffres d'or. Je n'ai pas encore discerné comment cela est corrélé avec la datation, mais c'est un problème pour moi lorsque je collectionne des pièces à vendre sous forme d'ensembles et devrait être quelque chose à surveiller si vous collectionnez et souhaitez que vos pièces correspondent.

L'histoire de Culver Glassware : Curieusement entourée de mystère, Culver a été fondée à Brooklyn, NY à la fin des années 30 par Irving Rothenberg. Dans les années 1980, Culver a mis fin à sa propre production de verre et a commencé à imprimer à partir de flans de verre, principalement fabriqués en Chine, mais également fournis par des sociétés américaines telles que Libbey. À la fin de leur production de verre, la société a déménagé dans le New Jersey et y est restée jusqu'à sa fermeture au début des années 90.

Le processus secret de cuisson à chaud de l'or 22 carats sur le verre est mort avec le dernier membre connu de la famille qui avait été impliqué dans l'entreprise, à cette date fatidique maintenant connue sous le nom de 9/11.

Pour la plupart, Culver n'a commencé à produire du verre orné d'or qu'à la fin des années 50 et la plupart de leurs pièces fabriquées avant cette époque ne sont ni signées, ni étiquetées et souvent difficiles à identifier.

Au début des années 60, Culver Glassware a perfectionné le processus (encore) secret de cuisson à haute température de l'or 22 carats sur de la verrerie, permettant des affichages épais, texturés, or et strass, qui ont mieux résisté à l'épreuve du temps.

La richesse était abondante aux États-Unis de la fin des années 1950 aux années 1960, et l'heure du déjeuner « deux martini » était proche. Le faste trop romancé d'Hollywood et le glamour de Vegas ont créé une nouvelle ère de la gastronomie, à la fois à l'extérieur et à la maison.

Culver, ainsi que quelques autres concepteurs de motifs en verre tels que Georges Briard (qui soit dit en passant, n'est pas une personne mais un nom d'entreprise) ont créé des motifs de barware "baroques" ornés royaux, émulant l'architecture gothique et médiévale de "l'Ancien Monde" et les affaires ont grimpé en flèche.

Avec la sortie du modèle Valencia, la popularité a explosé et bientôt Culver a été considéré comme LE cadeau de mariage des "Up and coming", devenant disponible dans les meilleurs grands magasins. Le processus de cuisson à haute température de l'or 22 carats sur le verre pour la permanence a été maintenu près du gilet par la famille et les employés.

Dans les années 1970, lorsque les salons en contrebas et les tapis à poils longs étaient rois, la demande pour un service de cocktails somptueux a conduit à la demande d'ensembles de bar tout aussi somptueux. Les martinis à la maison et au travail étaient chose courante. même attendu, et un phénomène moins documenté au milieu du siècle et au début des années 70, la conception somptueuse du style « Renaissance Gothique » et « Ancien Monde » a également été adopté avec les styles élégants du milieu du siècle moderne / futuriste de l'âge atomique, plus communément associés à l'époque.

Identification de la verrerie et des motifs Culver : Les faits concernant l'identification du verre Culver par marque, afin d'indiquer la date de fabrication, sont très et largement inexacts sur Internet. Les pièces ont été signées en script défilant des années 30 à la fin des années 70, mais pas toutes et souvent une seule pièce clé si elles sont vendues dans un vaste ensemble (dont la plupart des ensembles les plus collectés aujourd'hui étaient à l'origine vendus en grands ensembles).

Dans les années 80, les lettres majuscules sont devenues courantes, mais j'ai également vu des pièces des années 80 avec l'ancienne signature à défilement. J'ai également envoyé la signature défilante avec INC à la fin. Un indicateur plus précis est l'ajout de INC au lettrage de la marque (que ce soit un bloc ou un script), qui ne se trouve que sur les pièces des années 80 à 90. Les étiquettes en papier sont également entrées en jeu entre le milieu et la fin des années 80, donc c'est à peu près un shoot de merde en ce qui concerne la signature, si vous me demandez.

Verrerie Culver signée ou non signée : Bien que certains collectionneurs préfèrent leur verrerie signée. Il ne semble pas que la signature Culver sur une pièce augmente en aucune façon sa valeur ou sa capacité de collection. En fait, la plupart des pièces de verrerie Culver motif Mard Gras et d'autres des plus rares et des plus à collectionner ne sont pas signées, car elles étaient le plus souvent vendues dans d'énormes collections, notamment Martini Pitcher et Ice Bucket, avec seulement ces deux pièces clés signées. (putain de dur à trouver, attrapez-le si vous en voyez un)

Dating Culver Glassware: En passant, je considère la date à laquelle un motif est entré en jeu plus importante que la date de création de l'article. Des motifs tels que Cranberry Scroll ou Emerald Scroll ont été initialement conçus dans les années 1960 et je les considère donc comme du verre Mid Century des années 1960, qu'ils aient été imprimés dans les années 1960 ou 1980.

La seule fois où une différence évidente peut entrer en jeu entre le même motif réalisé dans les années 60 ou les années 80, c'est si un motif imprimé à l'origine sur du verre fabriqué par Culver Glass a roulé à la fin des années 80 lorsque Culver a commencé à utiliser des flans préfabriqués. Beaucoup de flans fabriqués par Libbey Glass ne sont pas de la même qualité et cela se remarque immédiatement à première vue. Les pièces Libbey Glass sont toutes estampillées au fond du verre avec le très reconnaissable Libbey L. Indépendamment de ce fait, les pièces Libbey sont très rares, rares, ce qui les rend très convoitées par le puriste de la collection.


Tableau de pierres lors d'une exposition de bijoux - Photo de stefano tinti - Shutterstock.com

Une boutique d'or sur le Ponte Vecchio de Florence - Photo de Brendan Howard - Shutterstock.com

Fabrication d'or et sertissage

Créations artisanales en or - Photo de claudio zaccherini - Shutterstock.com

Timbre commémoratif de l'an 2000 - Anniversaire de la maison de joaillerie italienne - Photo de Neftali - Shutterstock.com

Foire et exposition d'OroArezzo

Assortiment de perles et autres motifs

orfèvrerie italienne est fabriqué en Italie à son meilleur. Alchimie du passé et du présent, elle n'est qu'une représentation de l'amour italien pour la beauté et d'un savoir-faire artisanal qui remonte à des siècles. Il n'est pas du tout étonnant que l'Italie soit un leader mondial de la joaillerie et de l'orfèvrerie.

Ce créneau du luxe italien s'épanouit dans quelques « quartiers d'or » de la Péninsule : au premier rang d'entre eux, celui de Valenza, l'un des noms qui se démarque à l'international. Non loin des grandes villes du nord de l'Italie (c'est-à-dire Gênes, Milan et Turin), le Valence quartier comprend huit municipalités contiguës où une large gamme de bijoux et d'or est produite et vendue. Valenza elle-même - également une ville d'intérêt pour l'Expo de Milan 2015 - inaugurera son Musée du Gioiello ou Musée de la Bijouterie en 2015.

Valenza, une petite ville de la région du Piémont, possède en fait le plus grand nombre d'entreprises artisanales d'or et de bijoux du pays, ainsi qu'une solide tradition artisanale de haute qualité et des avancées significatives en matière d'innovation technique, stylistique et matérielle. Le niveau élevé de conception locale, la production fervente, une foire et une exposition connue à l'échelle mondiale, et les académies de formation et les instituts d'études enracinés dans le territoire et la tradition environnantes font de Valenza une destination privilégiée pour les touristes, les curieux et les apasionados à la recherche de ce fil différent et assez particulier du Made in Italy.

Bien sûr, l'orfèvrerie est une profession importante partout dans le Bel Paese chaque Région a ses propres caractéristiques et spécialisations, où les entreprises sont souvent familiales.

Un autre quartier similaire à celui de Valenza est Vicenza avec son argenterie et son orfèvrerie (comme pour à peu près tous les bijoutiers italiens, cela inclut également les créations sur mesure), et les bijoux fins, le placage d'or, la porcelaine, la décoration intérieure, les gravures et sculpturales. Trente pour cent des exportations de la région de Vicence arrivent en Russie, en Turquie et aux Émirats arabes unis. Ensuite, Arezzo, connue pour son importance de longue date dans l'orfèvrerie, et pour ses écoles et centres de recherche, a historiquement fourni ses pièces aux plus grands joailliers de Florence.
La ville toscane accueille la foire commerciale annuelle et l'exposition de "Oro Arezzo," avec la participation de milliers d'opérateurs italiens et étrangers. Il ne faut pas compter Naples, avec un Quartier vieux de 2000 ans allant de l'ancienne Neapolis à Torre del Greco.

Parmi les autres salons du secteur, citons Vicence Oro et Orogemma à Arezzo. Pendant ce temps, parmi les marques de bijoux et d'or les plus célèbres d'Italie figurent Damiani, Roberto Coin et Miluna (également sponsor de Miss Italia 1997).


Boîte à bijoux

Y a-t-il quelque chose de plus charmant qu'une boîte doublée de velours remplie de boules scintillantes ? De celles qui jouent un air au bleu emblématique de la version en cuir de Tiffany, une boîte à bijoux est l'un des rares objets de décoration que presque toutes les femmes ont en commun.

La boîte à bijoux est probablement apparue dès qu'il y avait des bijoux à mettre à l'intérieur. Mais reprenons l'histoire au Moyen Âge. Avant les coffres-forts et les coffres-forts (ou même les serrures des portes), la sécurité de la maison était une préoccupation majeure, et à l'époque, le fer était le matériau le plus résistant au vol pour protéger les objets de valeur. Malheureusement, ce n'était pas l'option la plus pratique si vous deviez déménager. Parce que la portabilité était essentielle au mode de vie médiéval, la plupart des boîtes à conserver étaient en bois, recouvertes de cuir et liées avec du fer pour un peu plus de sécurité.

Pendant cette période, un marié offrait souvent à sa fiancée une boîte à bijoux remplie de bijoux (ou peut-être vide de promesses de pierres précieuses à venir). Pour souligner le point de la boîte, le cuir peut être gaufré avec des inscriptions appropriées et des scènes de parade nuptiale. Un choix préféré était une citation des histoires de Chrétien de Troyes, le poète du XIIe siècle : « Madame, vous portez la clé / et avez le cercueil dans lequel mon bonheur / est enfermé. »

Un futur marié pourrait acheter des boîtes avec des crêtes vides qui pourraient, après l'achat, être peintes à la main avec les siennes.

La coutume de présenter à une dame une boîte à bijoux lors de ses fiançailles s'est poursuivie à la Renaissance. A Florence, la tendance était d'utiliser une boîte rectangulaire parfumée au musc, décorée de scènes de chasse à la feuille d'or. Un cerf blessé symbolisait la passion charnelle, c'était donc un cadeau avec un petit vroum-vroum en plus.

Illustration par Alice Pattulo (avec l'aimable autorisation de Chronicle Books)

Les femmes de la Renaissance n'attendaient pas forcément qu'un homme leur fournisse les bijoux (ou la boîte !). Beaucoup de femmes avaient des boîtes accrochées au mur de leur chambre à côté d'un petit miroir. Haut d'un pied, il contiendrait une boîte plus petite pour les bijoux ainsi que d'autres articles nécessaires à la toilette d'une dame : maquillage, poudres, éponges et épingles.

Au XVIIIe siècle, plus c'est gros, mieux c'est. Comme cadeau de mariage, Louis XVI a offert à Marie-Antoinette une boîte à bijoux de la taille d'une petite table.

Fabriqué en bois de tulipier, il était équilibré sur des pieds en cabriole délicatement incurvés, agrémentés de plaques de porcelaine fleuries et peints à la main de fleurs. Mais même une boîte à bijoux de la taille d'une table ne suffisait pas pour contenir les bijoux de la future reine de France. Par tradition, la famille royale française a présenté à la nouvelle mariée tous les bijoux des anciennes reines, comme une paire de bracelets en diamants qui coûtaient autant qu'un hôtel particulier parisien. Pour loger les trésors, Marie-Antoinette commanda un « cabinet de diamants » massif. Haut de huit pieds et demi et large de 6 pieds, avec de la nacre, du marbre vert de mer et des détails dorés, le cabinet était aussi brillant à l'extérieur que les bijoux à l'intérieur.

Marie-Antoinette avait son cabinet et les femmes mexicaines avaient leurs secretas. Ces boîtes basses et carrées sur pieds ronds en chignon étaient décorées d'écailles de tortue, d'os et de miroirs incrustés de motifs géométriques. Bien qu'ils soient assez beaux pour être exposés, ils étaient souvent rangés sous des lits ou cachés dans des casiers secrets pour se protéger du vol.

Et ce n'était pas seulement les dames qui avaient un rangement élaboré pour leurs babioles, les jeunes hommes étaient également éblouis par un petit éclat. Après un passage en Europe pour ajouter un peu de vernis continental à son éducation, le duc écossais d'Atholl a commandé une petite boîte en forme de temple romain de Septime. Construite pour s'ouvrir à moitié pour révéler de minuscules plateaux, la boîte abritait la collection de pièces de monnaie et de médailles du duc. Son activité préférée après le dîner était de montrer la collection dont la boîte faisait partie du spectacle. Avec sa boîte à bijoux élaborée, le duc s'inspire de la lignée du plus éblouissant des rois, le Louis de France. Louis XV possédait une boîte à bijoux assez grande pour s'appeler une armoire à tiroirs doublés de velours bleu pour ranger une collection numismatique célébrant les grands événements de son règne. Son petit-fils, Louis XVI, possédait une étonnante version en acajou décoré de médaillons qui rivalisait avec celle de sa femme, Marie-Antoinette, pour la taille et la décoration.

Chaque médaillon était fait de cire, de plumes et d'ailes disposées pour ressembler à des oiseaux, des papillons et des plantes. En 1796, une invention de l'horloger suisse Antoine Favre ajoute une autre dimension aux boîtes à bijoux. Favre avait déjà développé un peigne en acier accordé qui rendait les boîtes à musique auparavant encombrantes portables et de poche. Il a été incorporé dans des boîtes à bijoux au XIXe siècle. Pour attirer davantage les acheteurs ayant de l'argent à dépenser, des figurines mécaniques - comme une ballerine pirouetante ou un oiseau chanteur - ont été ajoutées pour se déplacer lorsque le couvercle de la boîte a été ouvert.

Les ventes de boîtes à bijoux, à la fois musicales et silencieuses, ont diminué pendant la Première Guerre mondiale, lorsque l'ostentation était désapprouvée. Puis, dans les années 1920, Coco Chanel a rendu les bijoux fantaisie à la mode, et un âge d'or de la parure abordable a commencé. Une garde-robe de bijoux était à la portée de chaque femme, et le reste aujourd'hui.

Si les diamants (vrais ou faux) sont les meilleurs amis d'une fille, n'a-t-elle pas besoin d'un endroit pour les garder ?

(Réimprimé de Éléments d'une maison par Amy Azzarito avec la permission de Chronicle Books, 2020)

En haut : une boîte à bijoux doublée de velours dont l'auteur Amy Azzarito discute dans son nouveau livre Éléments d'une maison : histoires curieuses derrière les objets ménagers du quotidien, des oreillers aux fourchettes (Livres chroniques, 19,95 $). Image via : picspree.com.

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Comment est fabriqué un sari kasavu et combien de temps dure le processus ?

Le temps de production dépend totalement du comptage. Un sari uni avec juste une bordure et une rayure sur l'extrémité prendra trois à cinq jours. Mais s'il comporte des motifs, il en faudra bien plus que cela. Lorsqu'il y a des motifs extrêmement élaborés (comme ceux d'un sari de mariage), cela peut prendre jusqu'à un mois car tout est fait à la main. Le prix varie également en conséquence. Si vous achetez auprès d'un cluster, vous pouvez obtenir un sari de base en coton pour 3 000 roupies (ce qui, à mon avis, est très sous-évalué), mais avec le zari, il peut aller jusqu'à un lakh roupie et demi, selon la quantité d'or et de le travail y est allé.

Un tisserand travaille au métier à tisser

Le fil doit avoir été filé à la main de manière traditionnelle, mais de nos jours, ils utilisent du fil fabriqué en usine (le filé à la main est à la fois coûteux et difficile à produire en masse). Ils soumettent ce fil à un long processus de pré-tissage, et surtout à Chendamangalam, c'est ce processus qui leur a valu l'étiquette GI. Une fois qu'ils ont obtenu le fil, il est trempé dans l'eau pendant sept ou huit jours et estampé tous les jours (les artisans le font avec leurs pieds) pendant le trempage, pour éliminer la saleté et l'amidon et s'assurer qu'il est complètement doux.

Le fil est retiré au bout d'une semaine et une partie est teinte (si nécessaire). Ensuite, ils font la chaîne et étirent le fil. Mais selon la tradition, cet étirement doit être fait entre quatre et sept heures du matin - la température et l'atmosphère pendant ces heures étaient considérées comme propices à ce processus. Techniquement, le fil doit être étiré dans un espace ouvert, mais de nos jours, il est difficile de trouver ce genre d'espace.

Avant de mettre la chaîne sur le métier à tisser, les artisans la réamidonnent le matin et la laissent sécher. Puis ils l'amidonnent à nouveau et se brossent avec un peigne en fibre de coco. Il est séché jusqu'à 7h00 puis mis sur le métier à tisser. Ce fil étiré est propre et absorbant, et l'amidon est ajouté pour qu'il ne se casse pas sur le métier à tisser. Au-delà de cela, il n'y a vraiment pas de processus de post-tissage. Ils l'enlèvent simplement du métier à tisser et le mettent sur l'étagère.


Peigne en or et bijoux, Valence - Histoire


Le terme ''barbare " définit vaguement un large éventail de peuples et de styles artistiques qui ont existé
aux côtés des cultures « civilisées » de la Méditerranée, de la Chine et du Proche-Orient. Barbaras signifie en grec « étranger », mais signifie littéralement « bégaiement », d'après le son familier des langues autres que le grec. Comme les cultures barbares étaient fondamentalement analphabètes, nous les connaissons principalement à travers la riche culture matérielle et l'art qu'elles ont produit.

L'influence et l'échange d'idées et de styles artistiques entre les cultures « barbares » et « civilisées » étaient un processus continu. Les Grecs et les Étrusques étaient en contact avec trois groupes principaux de "barbares" - les Celtes, les Scythes et les Thraces. La connaissance moderne de ces cultures est largement dérivée des recherches archéologiques, bien qu'une source littéraire - Hérodote, le géographe et historien grec écrivant au milieu du Ve siècle av. Le vaste empire romain traitait avec différents groupes de « barbares » qui ont remplacé ce qui précède : les populations celtiques plus tardives, les Sarmates et les groupes de peuples de langue germanique qui avaient migré du nord vers le sud de la Russie et l'Europe de l'Est. À la fin du IVe siècle de notre ère, des tribus hunniques d'Asie intérieure, les « barbares ultimes », sont arrivées dans le sud de la Russie. Cela a forcé les populations germaniques et sarmates à l'ouest et a lancé le processus historique connu sous le nom de période de migration, qui a transformé l'Empire romain en Europe médiévale.

Les "Keltoi" chez les Grecs ou "Galli" chez les Romains étaient des peuples de langue indo-européenne dont la culture s'étendait du haut Danube et de l'est de la France au sud jusqu'au nord de l'Italie, la péninsule ibérique et l'Afrique du Nord à l'ouest jusqu'aux Pays-Bas et aux îles britanniques et à l'est jusqu'aux Balkans et en Asie Mineure. La première manifestation de l'art celtique apparaît sur les objets trouvés dans plus d'un millier de tombes fouillées à Halstatt, une colonie d'extraction de sel dans les Alpes, près de Salzbourg en Autriche. Dans cette phase de l'âge du bronze, qui a commencé à la fin du deuxième millénaire et s'est poursuivie jusqu'au milieu du VIe siècle av. Il a probablement été produit sous le patronage princier et est principalement de nature géométrique et non figurative. La seconde phase, l'âge du fer, a duré d'environ 500 av. Les premiers styles de La Tène dérivent de motifs décoratifs et végétaux classiques, tels que les palmettes et les volutes. mais ceux-ci incorporent des figures animales et des têtes humaines dans leur structure curviligne. Selon la région, ces styles ont évolué de différentes manières, les éléments de représentation devenant souvent plus cryptiques et abstraits, et les dessins géométriques continus plus fluides, souvent étayés par des motifs complexes basés sur une boussole. Certaines variantes stylistiques étaient complètement linéaires, gravées sur des surfaces planes, tandis que d'autres étaient plus plastiques et naturalistes. Les artistes travaillaient encore majoritairement le métal, privilégiant l'or, les alliages de cuivre et le fer, ajoutant parfois des incrustations de corail, d'ambre ou d'émail. Les bijoux personnels pour les hommes et les femmes, les armes, les armures et les accessoires de cheval étaient richement décorés, tout comme les articles de tous les jours tels que les miroirs et les accessoires de navire. Torques ou colliers étaient des symboles de statut social dans de nombreuses sociétés celtiques, qui, avec les cheveux longs, la barbe et les pantalons, en sont venus à signifier « barbare » dans les représentations grecques et romaines. Les artistes celtes travaillaient également le bois et la pierre, produisant de grandes sculptures représentatives d'humains et d'animaux, dont beaucoup semblent avoir été utilisées dans des temples de culte ou comme pierres tombales. Après la conquête romaine, des variantes abstraites du style celtique ont survécu principalement dans les îles britanniques éloignées, pour être investies d'une nouvelle vigueur par les artisans dans la seconde moitié du premier millénaire après JC.

IMPULSIONS CLASSIQUES ET BARBARE

Les territoires au-delà des villes grecques autour de la mer Noire étaient occupés par les Thraces à l'ouest et les Scythes au nord et à l'est. Ces derniers faisaient le commerce du blé, de la fourrure. des esclaves, de l'or et de l'ambre du nord. Les tumulus scythes du sud de la Russie étaient des entrepôts de poterie grecque de tous les jours enterrés côte à côte avec des bijoux en or, des récipients et des accessoires à couper le souffle reflétant à la fois les traditions classiques et barbares. Certains objets, tels que des colliers, des boucles d'oreilles et des récipients rituels, étaient purement grecs dans leur style et leur fonction. Certains objets de la deuxième catégorie, qui doivent avoir été fabriqués par des artisans grecs pour des clients scythes, portent des images naturalistes des Scythes eux-mêmes, engagés dans la bataille, traire des juments et ferrant des chevaux. Ceux-ci contrastent avec les représentations abstraites et stylisées d'animaux utilisés pour décorer les harnais des chevaux et avec les représentations de combats d'animaux, qui dérivent finalement de sources anciennes du Proche-Orient. Un mélange similaire de traditions grecques, perses et barbares caractérise également les objets des tombes thraces sur les rives occidentales de la mer Noire, concentrés en Bulgarie. Ressources. La grande quantité de métaux précieux et leur décoration exubérante ont peut-être reflété un goût "barbare", mais en général, la décoration de tous ces produits de luxe est de la plus haute qualité.

Phalère d'or avec un félin attaquant un cerf, Ol'gino Mound,
Ve siècle av.
Musée d'archéologie de l'Académie nationale des sciences d'Ukraine, Kiev

Peigne d'or montrant une bataille, Solokha kurgan, Ukraine,
début du IVe siècle av.
Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Housse de selle en feutre avec applique représentant un élan, Kurgan 2, Pazyryk, Altaï, Sibérie, Ve siècle av. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg. Les arcs entourant les points utilisés sur les hanches sont un motif de steppe typique dérivé de l'art iranien

La steppe, les vastes prairies qui s'étendent à travers l'Eurasie, abritait autrefois, comme aujourd'hui, des peuples pastoraux nomades et semi-nomades de souche caucasienne et mongole. Ils étaient en contact, à la fois pacifiquement et agressivement, avec les grandes civilisations sédentaires du monde antique - les Assyriens et les Perses, les Grecs et les Romains, et les Indiens et les Chinois - et leur art était un riche mélange de leurs propres symboles culturels avec ceux traditions classiques. Une grande partie de l'art qu'ils produisaient était de petites ferronneries portables et des canettes en bois, adaptées à leur mode de vie et stylistiquement conservatrices pendant de nombreux siècles. Les principales tribus que les civilisations occidentales connaissaient étaient les Scythes, leurs successeurs les Sarmates et, enfin, au début de la période médiévale, les Huns. Les Scythes de langue iranienne sont mentionnés pour la première fois dans les sources assyriennes vers le milieu du VIIe siècle av. En deux siècles, leurs territoires s'étendaient du Danube au Don et au nord jusqu'à la frontière entre la forêt et la steppe, mais leur influence culturelle s'étendait au sud-est dans le Caucase et à l'ouest jusqu'à la Dobroudja avec une branche extrême-orientale en Sibérie. Hérodote a décrit la vie quotidienne des Scythes, qui buvaient du lait de jument et enterraient leurs morts sous d'énormes monticules de terre, accompagnés de sacrifices humains et animaux. Ses observations ont été confirmées par les fouilles de ces monticules ou kourganes, dont les chambres souterraines étaient remplies non seulement de sacrifices mais de splendides objets funéraires dorés. À l'est, un groupe spectaculaire de sépultures scythes dans des chambres en bois a été découvert dans les montagnes de l'Altaï en Sibérie. Le pergélisol a préservé des corps humains, dont un homme entièrement tatoué, et des chevaux portant encore leurs brides et couvre-chefs en bois élaborés. Des textiles en feutre coloré, comme des cygnes en peluche tridimensionnels conçus pour être suspendus au sommet d'une tente, illustrent la richesse du mode de vie nomade, tandis qu'un tapis en laine noué, le plus ancien qui existe, témoigne des contacts commerciaux à longue distance entre les Scythes. et les Perses achéménides. Le style animalier développé par les Scythes était puissant et stylisé, représentant des animaux et des oiseaux avec leurs attributs les plus importants (cornes, pattes et becs) exagérés. Il a été appliqué aux symboles de statut personnel tels que les boucles de ceinture, les accessoires de cheval et les armes telles que akinakes (épées courtes), haches de combat et étuis à arc. Les Sarmates iraniens ont continué une version stylisée de cet ornement animal, souvent exécuté en feuille d'or repoussé rehaussée d'incrustations de turquoise. Des ornements de ce style, datant du IIe siècle av. Les graffitis, datant de l'époque romaine, représentent les Sarmates comme des cavaliers à cheval portant de longues lances et avec eux-mêmes et leurs chevaux enfermés dans des armures. Comme les Scythes, leurs chefs étaient enterrés sous des monticules massifs. Des fouilles récentes en Ukraine dans le complexe kurgan appelé "Datschi", près d'Azov, ont mis au jour de grandes quantités d'ornements et de récipients en or parsemés de pierres semi-précieuses dans un style polychrome qui a influencé l'art de la période de migration ultérieure.
Les Huns, qui sont apparus sans avertissement à la mer d'Azov en 369 après JC, étaient traditionnellement considérés comme le plus brutal et le plus laid physiquement de tous les barbares. Ils parlaient probablement une langue proto-turque et, bien que leurs origines restent obscures, il ne fait aucun doute que l'un de leurs principaux artefacts - de grands chaudrons en bronze à pied avec des poignées en boucle - peut être retracé à travers la steppe jusqu'aux frontières nord de la Chine. À la fin du IVe et au début du Ve siècle, ils ont formé des alliances avec des tribus sarmates et germaniques et se sont souvent battus avec les Romains contre d'autres barbares. Ils ont réussi à extraire d'importantes subventions en or du gouvernement romain, à la fois en paiement de leurs services et pour les tenir à distance. Une fois leur base de pouvoir établie en Pannonie, la fédération hunnique sous Attila (mort en 452) a commencé à piller et à attaquer plus à l'ouest, restant invaincue jusqu'à une bataille désastreuse dans les champs cataluniens en France, où les Huns alliés. Les Ostrogoths et les Bourguignons subissent de lourdes pertes. Nous en savons presque plus sur eux par les sources historiques que par l'archéologie, car ils ont incinéré leurs morts et n'ont fondé aucune colonie. Leurs ornements les plus splendides étaient façonnés en feuille d'or parsemée de grenats cabochons. Beaucoup d'entre eux ont pris des formes non classiques, telles que des diadèmes, des pendentifs de temple et des poignées de fouet.

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Contenu

La déesse Pathini et le dieu Dademunne portaient pour la première fois ces créations de bijoux. Plus tard, les membres des familles royales ont reçu des bijoux similaires conduisant à la création d'ensembles de bijoux Kandyan. Il y a un dessin de la dernière reine de Kandy en 1815 portant des bijoux de Kandy. Elle était l'épouse du roi Rajasinghe.

Cette tradition prévaut encore aujourd'hui dans une certaine mesure à travers la pratique des familles nobles kandyanes se transmettant leurs bijoux d'une génération à l'autre, de mère en fille lors des mariages dans le cadre de la dot. Les mariages Kandy sont des cérémonies extravagantes où les bijoux occupent une place centrale pour mettre en valeur la lignée Kandy de cette famille. Cette pratique garantissait que les parures de bijoux kandyans restaient dans des cercles sélectionnés de familles kandyanes sans être divulguées au monde extérieur. Parfois, une famille décidait de créer un nouvel ensemble avec des designs et des métaux modernes. À ce stade, elle informait les autres familles de la sortie de l'ancien ensemble et se présentait les nouvelles tendances.

Les parures de mariée sont les pièces les plus importantes des bijoux de Kandyan. Ils sont faits à la main et se composent de 26 bijoux qui orneront la mariée de la tête à la taille. L'ensemble se compose normalement d'une lune et d'un soleil, d'une chaîne de tête, d'une gorge karapati, de boucles d'oreilles, de 3 pendentifs avec chaînes, d'un collier pethi, d'un collier agasti, de bracelets sarri (épais), de bracelets gedi et d'une hawadiya (chaîne de hanche). La plupart de ces bijoux ont été fabriqués à partir de cinq types de métaux tels que l'or, l'argent, le cuivre, le plomb et le laiton. Tous ces articles sont plaqués or. Le nombre « 5 » était considéré comme un nombre de bon augure et considéré comme le rendant 5 fois plus fort. Ces articles sont incrustés de pierres indiennes rouges et blanches conçues spécialement pour aller avec les designs spectaculaires.

Les ensembles nuptiales sont rares avec seulement un nombre sélectionné de familles possédant l'ensemble complet. Ce sont des objets de collection.

Un ensemble de bijoux se compose d'un collier, d'une coiffe et de trois gorges.

  • Les trois gorges sont :
    • (Premier) Cygne blanc affichant la pureté pour les jeunes filles célibataires,
    • (au milieu) Pendentif Makara rouge pour les femmes mariées.
    • (Troisièmement) Cygne rouge pour la mariée du retour.
    • Pendentifs 3 soeurs connus sous le nom de padakam, pendentifs porte-bonheur, design élaboré pour les tenues de soirée.
    • Pendentifs Makara avec chaînes et boucles d'oreilles, trois étant un nombre de bon augure pour porter chance.
    • Ensemble Agasti, une pierre rare en or à porter en journée avec un sari ou des robes.

    Ces pierres ne se trouvent qu'au Sri Lanka portées par les jeunes et les moins jeunes, affichant à la fois la pierre d'Agasti dans des gobelets en or. Un ensemble se compose d'un collier Agasti, de boucles d'oreilles et de deux bracelets.

    Les Kandyans sont des gens qui viennent de la capitale de la colline de Kandyan et des descendants du royaume de Kandyan. Their customs and traditional habits are still preserved to a great extent with families giving parents and their elders an important role to play. In many ways their lives are unaffected by the rest of the world as they continue to follow Avurudu and prehera (king's parade) in August where you can see these jewellery items being displayed.

    Kandy city stands apart from the rest of the country in many aspects. Even today the royal palace, now a Buddhist center, performs its rituals according to the royal decrees issued by the last king, Rajasinghe II of Kandy, and does not follow regulations issued by the state.

    Due to its historical importance, Kandyan jewellery is highly priced and is at the heart of Ceylonese culture representing the glorious times of the Raja (Kings).

    In 1815 when the British entered the citadel, Kandyan jewelry caught the attention of the British officials resulting in some of the sets being shipped off to the Royal family in England as gifts, later becoming popular amongst women in high society in England.

    Even today Kandyan jewellery sets are auctioned off at the best auction houses in the United Kingdom and Europe with a throatlet and necklaces being valued at £5000 to £8000 and the entire sets being sold for prices ranging from £50,000 to £200,000 depending on the design and antiquity of the sets. In Sri Lanka these sets are available on a seasonal basis for a dollar rate for outsiders.

    Some of the noble Kandyan families still living today include Ellwela, Nugawela, Nugapitiya, Ratwatta, Halangoda, Weragama, Menikdiwela, Delpitiya, Palipane,Kobbekaduwe Molamure Muttettuwegama Aluvihare, Hulangamuwa, Tenne, Galagoda, Lenawala, Mampitiya, Rambukwelle, Mediwake, Meegastenne, Amunugama, Mollagoda, Molligoda, Panebokke, Dunuwilla and Madugalle.

    There is much information about the Kandyan Kingdom and culture in the book Kandyan Kingdom, then and now by P. B. Alahakoon.


    A Trove of Medieval Art Turns Up in Texas

    A hoard of medieval artworks and illuminated manuscripts missing since they disappeared from an ancient castle town in Germany in the final weeks of World War II, appears to have surfaced in this small farm town in north-central Texas, 15 miles from the Oklahoma border.

    Evidence from interviews with art experts, lawyers and rural neighbors points to a former Army officer, Joe T. Meador, a reclusive art lover and orchid fancier who was stationed in Germany at the end of the war and who died here in 1980, as the man who carried off one of the biggest art thefts of the century.

    The artworks that disappeared in the theft were kept for centuries in the cathedral of Quedlinburg, a medieval town in Saxony-Anhalt State, now in East Germany. In 1945, shortly before the German surrender, the treasures were hidden in a mine shaft southwest of town. They disappeared a few days after American troops occupied the area, on April 18, 1945.

    One missing artwork, a sumptuously illustrated and illuminated ninth-century version of the Four Gospels in a jewel-encrusted gold and silver binding, was recovered in April by a private West German foundation. Representatives of the organization, the Cultural Foundation of the States, paid what they called a finder's fee of $3 million to a lawyer for an American seller. Part of the deal - concluded in Switzerland, where such transactions are protected by law - was that the American's name would never be revealed.

    Dietrich Kotzsche, a leading specialist in medieval decorative art at the State Museum of West Berlin, said the Quedlinburg treasures are worth ''perhaps more than a van Gogh painting.''

    In addition to the Four Gospels manuscript, the treasures include a small silver reliquary, inlaid with enamels and precious stones, with side panels of carved ivory a liturgical ivory comb a second manuscript, dated 1513 several rock crystal flasks, and gold and silver crucifixes and other gifts from the kings and emperors who ruled various German states in the 9th and 10th centuries.

    The loss of the artworks was investigated by the United States Army, but the effort was dropped in 1949, when Quedlinburg became part of East Germany.

    ''It is one of the world's greatest art thefts,'' said Florentina Mutherich, former deputy director of the Institute for Art History in Munich and co-author of a study of imperial medieval art.

    Richard M. Camber, a London medieval art expert, said yesterday that the missing artworks were ''rare beyond belief'' and that it was ''impossible to estimate their value since no such objects have ever been offered on the market.''

    A participant in the purchase of the Four Gospels said in a telephone interview that a number of the missing Quedlinburg treasures are in the vault of the First National Bank here in Whitewright, a town (population 1,760) whose most conspicuous features in the years since a shopping mall went up nearby are empty storefronts and caved-in roofs.

    The treasures, said the participant, who insisted on anonymity, have been used by the bank as collateral for a loan.

    John R. Farley, president of the First National Bank of Whitewright, said he had no comment about the matter. Details of how the Quedlinburg treasures were stolen and brought to the United States may have died with Joe Meador. Connections Reports of Efforts To Sell Manuscripts In April 1945, when the treasures disappeared, First Lieut. Joe T. Meador was assigned to the 87th Armored Field Artillery, the unit that occupied Quedlinburg and guarded the mine shaft after the treasures had been discovered there.

    A longtime neighbor of Mr. Meador, who worked in a hardware and farm equipment store that Mr. Meador and his brother Jack ran and who spoke on the condition that he not be identified, said that on occasion Mr. Meador had shown employees of the store elaborate and richly bound gold and silver manuscripts and other unusual items.

    Three years after Mr. Meador's death in 1980, his brother-in-law, Dr. Don H. Cook, a dentist who was raised in Whitewright but who practices in Mesquite, Tex., sought professional evaluation of two medieval manuscripts, one bearing the date of the more recent Quedlinburg manuscript, said John Carroll Collins, a Dallas estate appraiser who was retained by Dr. Cook.

    Decherd H. Turner, director of the Humanities Research Center, a research library at the University of Texas in Austin, said Jack Meador had at one point shown him slides of two medieval manuscripts similar to those from Quedlinburg and tried to sell them to him.

    When asked by Mr. Turner how he had acquired the manuscripts, Jack Meador replied that he had inherited them from his brother, who had 'ɿound them in the gutter'' in Germany during the war, Mr. Turner said.

    Later, John S. Torigian, a Dallas lawyer who represents Jack Meador, tried to sell the Quedlinburg manuscripts to Mr. Turner at the research center and to a Paris rare book dealer, Paul-Louis Couailhac, said Mr. Turner and Mr. Couailhac.

    Mr. Torigian is believed by manuscript experts to have been the agent who sold the Quedlinburg Gospels to Heribert Tenschert, a Bavarian art dealer who in turn sold them to the West German foundation in April in Switzerland.

    Mr. and Mrs. Cook declined to discuss the matter, and Jack Meador referred all questions to Mr. Torigian. Mr. Torigian did not return repeated telephone calls.

    Ely Maurer, assistant legal adviser for cultural property at the State Department, said those who knowingly transport stolen art across international or state borders may be in violation of the National Stolen Property Act. Interests Texas to Europe, A Student of Art Joe Tom Meador was born in 1916, the oldest of four children of Claude and Mabel Meador of Arkadelphia, Ark. When he was a year old, his family moved here and his father established a hardware and farm equipment store. In 1938, Mr. Meador received a bachelor of arts degree from North Texas State University at Denton, Tex., having majored in art.

    Mr. Meador then went to Biarritz, France, and studied art. Those who knew him well said his interest in art was inspired by his mother, who studied at the Art Institute in Chicago and in Kansas City, and who taught art at Ouachita Baptist College in Arkadelphia before her marriage. In Whitewright, she taught classes in ceramics, oil and china painting.

    Two days after the Japanese attack on Pearl Harbor, Joe Meador enlisted in the Army. As a member of the 87th Armored Field Artillery Battalion, he took part in the Normandy invasion, and fought his way across France and Germany. He was frequently a forward observer directing fire from his unit.

    On April 19, 1945, three weeks before the war's end, his unit occupied Quedlinburg. An unofficial history of the 87th Armored Field Artillery Battalion states that Lieutenant Meador was assigned to Headquarters Battery, one of three units that organized teams to search the town for weapons, radio transmitters and other contraband.

    It was 'ɺn intoxicated soldier,'' the unit history says, who accidentally discovered 'ɺ cave on the outskirts of the city'' filled with ''valuables, art treasures, precious gems and records of all sorts.'' Guarding this ''Nazi loot,'' the history states, became an ''important'' task for the 87th.

    It is not known how the treasures may have came into the hands of Lieutenant Meador or found their way to Texas.

    After Joe Meador's discharge in 1946, he taught art at a school in New London, Tex. When his father became ill, he moved back into his family's home at 407 South Bond Street here, and joined his brother Jack in running Meador Inc., the hardware and farm equipment business founded by their father.

    Meador Inc. and the town of Whitewright flourished, until a few years ago when a shopping mall opened nearby. Recollections A Reclusive Life Amid the Orchids Friends and neighbors recall that the war years had changed Joe Meador from an outgoing, friendly young man to a secretive one. ''He was a mystery,'' said the Rev. Dale Gore, the Meador family minister who was the pastor of the First Baptist Church. ''He was a loner, reclusive. He put part of his life behind him.''

    Avery Chisholm, who lived next door to the Meadors for many years, said, ''He was different, real strange.''

    Marshall Hasty, a former Chevrolet dealer who served as one of Joe Meador's pallbearers, said: ''Joe wanted to be an artist, but somehow he couldn't. He just didn't have anything in common with most people here, so he had to turn to other things.''

    One of the things he turned to was growing orchids. Mr. Meador built three greenhouses on a vacant lot behind the family residence. Within a few years, according to a local newspaper interview in 1960, he was cultivating more than 6,200 orchids representing 129 varieties.

    Merritt W. Huntington, who used to judge orchid shows with Mr. Meador, said: ''He was intellectual and witty. Joe used to say, 'Whitewright is the biggest city in Texas, but it hasn't been developed yet.' ''

    The few individuals who were invited to his home were impressed by ''the antiques, beautiful rugs and paintings,'' Mr. Gore recalled.

    On at least some occasions, Mr. Meador displayed treasures he said he had collected in Europe at the war's end, said a former neighbor who spoke on condition of anonymity. Mr. Meador displayed ancient-looking manuscripts written in gold to employees at the family store, said a former employee, who wished to remain anonymous.

    ''It was all Greek to me,'' said the former employee. ''I never did know what happened to that stuff after he died.'' The Trail Two Old Books And a Box Joe Meador died of cancer on Feb. 1, 1980, at the Whitewright Nursing Home.

    His sister, Jane Meador Cook, who served as executor of his estate, signed a statement on Sept 19, 1980, that the estate consisted of local real estate valued at $24,331 and stocks worth $81,225.57. In accordance with the will of Joe Meador, who never married, this property was distributed to Mrs. Cook and their brother Jack. A third brother, James Pat, had died in 1971. Mr. Meador's will also specified that his personal ''silver, china and crystal'' was to be divided among his nieces and a nephew. There was no mention of the Quedlinburg artworks.

    In January 1983, Mr. Collins, the Dallas estate appraiser, was asked by a Dallas lawyer to come to his office to evaluate ''two old books.'' Although in his usual appraisals he almost never encounters rare books or manuscripts, Mr. Collins had for two years studied medieval manuscripts as a graduate student at North Texas State University and was knowledgeable about the subject.

    When he arrived at the lawyer's office, Mr. Collins said after consulting his diary, ''three lawyers and two women'' gave him a large cardboard box to examine.

    ''I could immediately see that the box contained very fine and rare manuscripts in jeweled bindings,'' he said. ''I was furious at the way they were being treated, with the heavier one dumped on top of the other. In one of the relief sculptures on the cover of one manuscript, I could see that a figure's nose had been flattened. I scolded them for treating such objects as if they were last year's telephone directories.

    ''When I examined the manuscripts, according to the notes I made at the time, I thought the older was perhaps 9th or 10th century. There was elaborate filigree on the front cover and jewels. Inside were the Four Gospels. Everything was in gold - gold letters and gold portraits of the four Gospel writers. For me, handling such things was one of the fantasies of a lifetime.''

    Mr. Collins also made note of a date he discovered on the back of the more recent of the two manuscripts, which, he said, was 1513. That is the date on the still-missing Quedlinburg manuscript.

    ''They behaved very secretively,'' Mr. Collins said, 'ɺnd wouldn't allow me to take photographs or to measure the manuscripts.

    ''I asked where the manuscripts came from, and they would only say that they had been inherited. They asked how much they were worth. I told them they were probably stolen from Germany or somewhere in Europe at the end of the war, and that although they might be worth $2 million, they were worth almost nothing to them because they couldn't sell them legitimately. They just looked at me.''

    Under United States law, no one may gain legal title to stolen property.

    Mr. Collins said he was ''haunted'' by the manuscripts but heard nothing about them for three years. In March 1986, he recalled, he was summoned to a second meeting and introduced to five or six people who were said to be members of the family that inherited the manuscripts.

    ''I read them the law about stolen property,'' Mr. Collins said, 'ɺnd this time they agreed to let me have the manuscripts photographed.'' An appointment with a photographer was set up, but suddenly canceled, Mr. Collins said, and he heard no more.

    He wrote 'ɼook estate'' in his notes, and, as directed, sent his bill to Don H. Cook of Mesquite, who had given him his card. He received a check from Dr. Cook in payment.

    Meanwhile, there was a steady flow of rumors in the small world of bibliophiles that some very unusual medieval manuscripts were on the market.

    ''I wouldn't be surprised if every major dealer didn't have a nibble at them,'' said Christopher de Hamel, the manuscript specialist at Sotheby's in London. He added that no reputable dealers would have had anything to do with them once they realized the manuscripts had been stolen.

    In late 1985 or early 1986, Mr. Turner, who was then the director of the Humanities Research Center in Austin, was visited by Jack Meador and his son Jeff, who is an accountant in Austin, Mr. Turner said. They showed him slides of medieval manuscripts, which they offered to sell, he recalled.

    ''I thought I might faint,'' Mr. Turner said. ''I immediately told them these are probably the most valuable books ever to have entered the State of Texas. When I asked where they got them, the older man said his brother had found them in the gutter at the end of the war in Germany and had liberated them. They said he had died, and Mr. Meador was now the owner.''

    Mr. Turner said the Meadors arranged to have him fly to Dallas, where they said he could inspect the manuscripts and make an offer. But the day before the arranged flight, Mr. Turner said, Jeff Meador called to cancel the trip without explanation.

    When Mr. Turner described what he had seen to Mr. de Hamel, both men became convinced he had been shown slides of the Quedlinburg manuscripts. Mr. Turner said he then called Jeff Meador at his home, and was told by Mr. Meador that he and his father had sold the manuscripts and that he should speak to Mr. Torigian.

    Accordingly, Mr. Turner said, he met with Mr. Torigian and offered to raise $1 million privately so the manuscripts could be restored to their rightful place.

    ''Torigian made light of my offer,'' Mr. Turner said. Availability The Fate Of the Works Rumors about the availability of the manuscripts quickened in 1988. At the center of the talk was Hans P. Kraus, then the dean of rare book and manuscript dealers in New York, who had arranged the sale of a Romanesque manuscript called ''The Gospels of Henry the Lion'' to a West German consortium for $11.7 million at Sotheby's in London in 1983.

    He began to spread the word that ''something extraordinary'' would soon be available, said a museum curator who insisted on anonymity.

    'ɿrom the way he described it,'' the curator said, ''I now know he was talking about the Quedlinburg Gospels.'' Mr. Kraus died in November 1988. Thomas Kren, curator of manuscripts at the J. Paul Getty Museum in Mailibu, Calif., said that earlier this year he had been approached by a dealer to buy a medieval manuscript but that, as soon as he realized it was from the Quedlinburg hoard, he broke off the discussion.

    Mr. Couailhac, the Paris book dealer, who spoke through his lawyer, said he had been approached by Mr. Torigian and had agreed to try to sell the older of the two manuscripts for $9 million.

    Mr. Couailhac said he had been angered when he learned that Mr. Torigian had suddenly sold the manuscript to the West German foundation for $3 million through another dealer. He said he was considering suing Mr. Torigian.

    West German cultural officials are hopeful of recovering the remaining Quedlinburg artworks.

    ''When all the treasures are finally returned,'' said Klaus C. Maurice, secretary general of the Cultural Foundation of the States in West Germany, which negotiated the return of the Quedlinburg Gospels in April, ''we must view them not only as a sign of our ancient past, but also as a reminder of what happens when a state goes out of control, as we did in the Nazi period, and suffers invasion.''


    Delaware

    Delawares were developed in 1940, in Delaware, by George Ellis. The were originally known as “Indian Rivers.” The breed originated from crosses of Barred Plymouth Rock roosters and New Hampshire hens. Although originally intended as a meat bird, Delawares make an excellent dual purpose bird. They are known to have a calm and friendly disposition, and lay jumbo brown eggs – about 4 per week in ideal conditions. Plus, let’s not forget to mention their beautiful plumage!


    Ancient Greeks were sometimes buried on wooden or bronze beds. [1]

    A number of early Anglo-Saxon bed burials, almost all dating to the 7th century, have been found in England, predominantly in the southern counties of Cambridgeshire, Suffolk and Wiltshire, but single examples have also been found in Derbyshire and North Yorkshire. The beds used in these burials were made of wood, and although none have been fully preserved, their presence can be inferred from the presence of iron fixtures and fittings, such as nails, cleats, grommets, brackets, headboard mounts and railings, that outline the rectangular shape of the bed in the grave. [2] [3] [4] However, in some cases it is not clear whether the iron fixtures found in a grave come from a bed or a coffin.

    The majority of the Anglo-Saxon bed burials are for young women, and many of the burials include items of jewellery and other grave goods that indicate that the dead person must have been wealthy and of high status during life. The high quality of the gold jewellery found in the bed burial at Loftus in Yorkshire suggests that the occupant of the grave may have been a princess. [5] On the other hand, some of the young women buried on their beds have pectoral crosses or other Christian emblems buried with them (Ixworth, [6] Roundway Down, Swallowcliffe Down, Trumpington), which has suggested the possibility that they may have been abbesses, who in the early Anglo-Saxon period were recruited from noble families. [7]

    In addition to laying the deceased on a bed, some of the bed burials exhibit other features that mark them out as special, and relate them to ship burials, such as the bed being placed in a chamber (Coddenham, Swallowcliffe Down), or a barrow being raised above the grave (Lapwing Hill, Swallowcliffe Down). [8] In at least two sites (Loftus and Trumpington), a grubenhaus (sunken floored building) has been excavated close to the bed burial, and it is possible that the deceased was laid out in the grubenhaus before burial so that mourners could pay their respects to her. [3] [9]

    The complex and elaborate funeral practices that must have been associated with a bed burial have been well described by archaeologist Howard Williams:

    The artefacts, body and grave would have interacted to create a complex sequences of practices and performances in the funeral. We can imagine the digging of the grave, perhaps the lining of the grave with timber shorings, and perhaps a temporary shelter over the grave in the hours or days until the body is ready for burial. We then have the lowering of a bed into the grave, followed by the clothed body together with a set of discrete deposits. Each would have required persons approaching the grave and passing them down to those in the grave itself with the body. Finally, after the funeral had approached completion, the grave would have been back-filled and the mound raised. [2]

    Interring the deceased on a bed suggests that sleep was seen as a metaphor for death. [2] Furthermore, the Old English word leger (modern English lair), literally meaning a "place where one lies", was used to refer to both beds and graves in Old English literature, which emphasizes the symbolic equivalence of the bed and the grave. [dix]

    List of Anglo-Saxon bed burials Edit

    About a dozen Anglo-Saxon bed burials, as well as several possible bed burials, have been excavated from the 19th century onwards, as listed in the table below.

    In several Viking ship burials from Norway and Sweden, including the Oseberg ship burial (dated to 834) and Gokstad ship burial (dated to the late 9th century), the deceased had been laid out on beds. However, true bed burials, in which the bed is buried directly in the ground are not known. [25] [26]


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